COLL | OPL, Gustavo Gimeno & Patricia Kopatchinskaja

• The most exhilarating experiences of my creative life by Francisco Coll

  The composer’s fate is strange; spending one’s life writing in solitude, entering another dimension of reality, and attempting to transform impossible worlds into something almost tangible and concrete… All this in the hope that, at some point in the future, other people – unknown or familiar – will make these worlds visible in performance, cracking the code of the score and bringing the music to life.

  In recent years, my development as a composer – not to mention my development as a human being – could not be understood without the presence of Gustavo Gimeno, Patricia Kopatchinskaja and the Orchestre Philharmonique du Luxembourg. Together with them, I had some of the most exhilarating experiences of my creative life. They have been a huge inspiration for me, and my worldview has grown side-by-side with theirs. When my works are on their music stands, I know that something wonderful is going to happen.

  I can’t find the words to express my gratitude to the extraordinary people who made this project possible. I am immensely grateful to Gustavo, Patricia, the OPL and Pentatone for having joined forces to make this recording a reality. The selection of the pieces on this album outlines the path from my early Aqua Cinerea to my recent Violin Concerto. I feel very moved and honoured to be part of the OPL’s excellent series of recordings, together with many much-loved composers of the past. I am sure that the accounts of my works included here will become a reference to future interpreters – those orchestras, conductors, and instrumentalists who share the same adventurous spirit – spurring them on to make my music tangible once more.

  Finally I would like to mention how important it has been for me that this recording was made in the best possible conditions; indeed even during the dark and uncertain period of the Covid-19 pandemic when three out of the five pieces here were in fact recorded.

  Francisco Coll
  Lucerne, 2020

• The beauty of bringing opposites together by Jesús Castañer

  At the end of 2016, Patricia Kopatchinskaja and Gustavo Gimeno found themselves on a train on their way to a concert in Valencia. It so happened that Francisco Coll – who had left his hometown ten years earlier – had also travelled there to spend a weekend with his family. Kopatchinskaja was interested in getting to know Coll’s music, so during the journey Gimeno showed her a recording of his Hyperlude IV for solo violin. She liked it so much that she played it as an encore at her concert that very night. Since then, the collaboration between the two has continued to bear fruit: Rizoma, Les Plaisirs Illuminés – Double Concerto, LalulaLied and the Violin Concerto are the works that Coll has written for Kopatchinskaja in recent years, each piece demonstrating that their two personalities – as different as they are – vibrate together with a very special intensity. In appreciation, Coll has dedicated to her his Violin Concerto, without doubt one of his most ambitious and most accomplished works. The concerto is intimately linked to the figure of Kopatchinskaja, not only because in its second movement he quotes his own Hyperlude IV – the work which brought them together –, but also because the whole piece is in a sense a portrait of the violinist: from the explosive fury of the first movement, through the sensuality of the second, to the youthful and unpredictable character of the third.

  A joint commission from the Orchestre Philharmonique du Luxembourg and Philharmonie Luxembourg, the London Symphony, the Seattle Symphony, the NTR ZaterdagMatinee and the Bamberger Symphoniker – and premiered in Luxembourg barely a month before the start of the Covid-19 pandemic in Europe –, the Violin Concerto is the consummation of many of the concerns that Coll had been exploring in the previous years, regarding his relationship with the distillation of complexity and his interest in boldly taking on the problems of tradition, a process which he had begun in 2013 with Mural. But above all, the work is a constant exploration of limits and extremes. As in all his music, the instability that runs through the piece is the result of a union of opposites. And in the Violin Concerto, the past and the present converge in a single space; the superficial and the profound entry into mutual contradiction; the most delicate expressiveness melts with the most extreme violence, creating a mysterious and polymorphic beauty: excessive, perverse, closely related to decomposition, but above all, beauty as a manifestation of instability.

  This attraction towards instability, extremes and the union of opposing or conflicting elements has been a constant in his work from the beginning. One of the first compositions in which he attempted to represent these contradictions was Hidd’n Blue, a short and schizophrenic orchestral overture written soon after arriving in London in 2008, right at the beginning of the financial crisis. Hidd’n Blue was premiered by the London Symphony Orchestra and François-Xavier Roth at LSO St Luke’s, and one year later was presented to a larger audience in the Barbican Hall under the direction of Coll’s mentor, Thomas Adès. Since then, it has been programmed by orchestras around the world, to the point that it has become one of his most frequently performed pieces. In it, through an accelerated narrative rhythm, a play of sonic extremes and the overlaying of different rhythmic patterns, Coll warns us of the hysteria and the contradictions of our time, showing us that all the instability present in his music is not a mere whim, but rather a kind of social portrait. However, beneath all this chaos runs a sort of illusory canon, a contaminated form of beauty which seems to want to forge a path into noise, but which at the same time is nothing more than a ghostly appearance composed of dust and residues. When one emerges from the depths of Hidd’n Blue, the image one returns with is one of blurred memory, a diffuse image, a remnant; the image in ruins. It is not possible to reconstruct the canon, perhaps because it was never actually there.

  However, it was not until Mural that Coll started exploring consciously his interest in ruins. The work, which can be understood as a symphony in five movements, was commissioned jointly by the Orchestre Philharmonique du Luxembourg and Philharmonie Luxembourg, the National Youth Orchestra of Great Britain and the Palau de les Arts Reina Sofía, and premiered by the first of those in 2016, also under the baton of Gimeno, to whom the piece is dedicated. If Hidd’n Blue was then an attempt to portray his present, in Mural that present enters directly into a dialogue with the past. Not for nothing was it presented by the BBC Proms as a «grotesque symphony», since in it traditional dances, quasi- tonal progressions, canons, fugues and quotations from composers of the past coexist with obsessive rhythms, scrap- metal percussion and other elements of pop culture, among many caricatures and hidden jokes. Far from being glorified in the romantic way, the fragments of tradition that appear here seem to have been salvaged out of the rubble, always with that disturbance of the contemporary on their surfaces. But just as in Hidd’n Blue or the Violin Concerto, its beauty is only possible thanks to that same residual noise that constantly destabilizes it. In Mural, Coll treats history as just another malleable material, taking its vestiges in order to build with them something completely different: a «mural» of heterogeneous images which are related to each other through a fragmentary rhetoric, and brought together by means of a unique and mysterious sense of humour.

  Also illusory – and irreverently humorous – is the folkloric world of his Four Iberian Miniatures. As the piece progresses, the initial strums of a jota give way to fandango rhythms and flamenco clapping, or a strange ternary tango ends up turning into Lorca’s «Anda jaleo». The hallucinogenic, delirious quality of the universe created by Coll here is a perfect match for Kopatchinskaja’s violin: satirical and brazen, full of broken continuities, formless objects and other irrational logics that belong to a dream. While there were traces of folk elements in his music before, Coll’s real engagement with the music of his native country began in 2013 with this piece. Just like the freedom of imagination preached by the surrealists, the folklore of the Four Iberian Miniatures does not faithfully correspond to the styles of flamenco or the formal structures of the music it alludes to; it is, instead, largely invented. It is a distilled folklore, reduced to its essence, which Coll uses freely – just as he does with the ruins of tradition in Mural – to build his own universe.

  The album finishes with his Opus 1, Aqua Cinerea, the work that led to his departure from Spain a little more than a decade ago. He wrote it in 2005 – with only 19 years old – and it was premiered one year later at the Palau de la Música in Valencia with Cristóbal Soler and the Orquestra Filharmònica de la Universitat de València – the orchestra in which, incidentally, Coll himself played the trombone. Coll sent the recording of that premiere to Thomas Adès, who, impressed by the maturity and freshness of his ideas, invited him to study with him in London, as his only student.

  Aqua Cinerea was, indeed, the beginning of everything: not just of his professional career, but also of everything he would come to explore in his subsequent works. In its pages, spontaneously and intuitively, can be found his whole world in concentrated form, poured out raw onto the paper. This is why Aqua Cinerea could be considered, in many aspects, the most vivid and genuine reflection of his personality. When writing his Violin Concerto fifteen years later, perhaps he had in mind the spirit that flows through Aqua Cinerea, because during the creative process he was constantly repeating to himself: «Don’t try to please a conservative public or the institutionalised avant-garde; just write what you hear and dare to fail.» And Coll is, certainly, an artist who, like Kopatchinskaja or Gimeno, not only can, but – more than that – dares.

  English translation from Spanish by Natalie Shea

• Einheitliche Gegensätzlichkeit von Marco Frei

  Er liebt Gegensätze. Jedenfalls fällt auf, dass Francisco Coll in seiner Musik gern mit Kontrasten arbeitet. Hohe und tiefe Lagen, rasches und langsames Zeitmaß, Forte und Piano wechseln abrupt oder erscheinen simultan. Auch stilistisch ist das Schaffen des 1985 in Valencia geborenen und in Luzern lebenden Schülers von Thomas Adès von kontrastreicher Vielfalt geprägt – so auch die auf diesem Album eingespielten Werke. Sie bilden ein dichtes, vielfarbiges Porträt des Komponisten Coll ab. Es zeigt gleichzeitig differierende Entwicklungen wie auch personalstilistische Kontinuitäten.

  Das Gros der Werke ist in den 20er Lebensjahren Colls entstanden: von Aqua Cinerea von 2005 über Hidd’n Blue von 2009 bis hin zu den Four Iberian Miniatures und Mural aus den Jahren 2014 bzw. 2013–2015. Das 2019 vollendete Violinkonzert, inspiriert von der Solistin Patricia Kopatchinskaja, läutet die 30er von Coll ein. Was alle Werke eint, ist ein dramatischer, expressiver Zuschnitt – sehr kontrastreich eben. Das alles gleicht aber keineswegs einem «Pastiche» oder einer polystilistischen Collage. Im Ergebnis wirken die Werke von Coll stets unerhört homogen und in sich geschlossen. Brüche oder Widersprüche interessieren Coll nicht. «Ich mag es nicht, wenn Gegensätzlichkeit zwanghaft forciert wird», bekennt er im Gespräch. «Das wäre mir zu einfach. Ich möchte lieber eine Illusion von Gegensätzlichkeit kreieren und keinen bunten Salat. Wie bei einem Menschen, in dem es gegensätzliches Sein und Denken geben kann, aber es bleibt noch immer ein Mensch.» Diese Haltung habe sich in den vergangenen 15 Jahren allmählich entwickelt, oft inspiriert von anderen Künsten. Da ist der Maler und Bildhauer Anselm Kiefer: Ähnlich wie dieser benutzt auch Coll «Geschichte als geschichtetes Material». «Ich möchte das verbinden mit der Grammatik, die ich aus der Vergangenheit herausgefiltert habe.» Hierin sieht Coll zugleich eine Verbindung zu György Ligeti. «Er fußt auf der europäischen Tradition, ist aufgewachsen mit der Avantgarde der Mitte des 20. Jahrhunderts, um das alles zu vereinen. Er hat Werke kreiert, die total logisch sind im Sinne einer Kontinuität unserer Tradition» – eine natürliche Diversität. Das Violinkonzert ist das jüngste Beispiel einer solchen Reflexion.

  Zwischen 2016 und 2019 für Patricia Kopatchinskaja, Gustavo Gimeno und das Orchestre Philharmonique du Luxembourg entstanden, reflektiert Coll in dem Werk nicht zuletzt die Geschichte der Gattung selbst. Der Komponist spricht von einer «Reise durch die Geschichte des Violinkonzerts»: «Ich wollte nicht meinen eigenen Teil dazu beitragen, sondern die Gattung gewissermaßen umarmen.» So erwächst einerseits ein gleich- berechtigtes Dialogisieren, bei dem die Violine mit dem Orchester einen in sich geschlossenen Klangkörper bildet – ganz so wie bei Antonio Vivaldi und in dessen Nachfolge Johann Sebastian Bach. Auch die dreisätzige Form verweist auf die Anfänge der Konzertgattung. Zunächst hatte Coll mit einem einsätzigen Werk geliebäugelt oder gar mit sieben Sätzen. Die schlussendliche Schnell-Langsam- Schnell-Anlage wird indessen subtil aufgebrochen, zumal im tänzerischen, scherzohaft-grotesken Finalsatz Phase. Hier wird bisweilen das Treiben im gemäßigten Zeitmaß gebremst, ähnlich wie im Klavierkonzert von Pjotr Tschaikowsky.

  Andererseits wird auch das große, konfliktreiche Virtuosenkonzert der Hoch- und Spätromantik heraufbeschworen. Es sind Mit- und Gegenwelten, die Coll erschafft. Die natürliche Diversität äußert sich dabei zugleich mit dem Einsatz von Zitathaftem. So huscht im zweiten Satz Hyperhymnia eine Transfiguration der Venusberg-Musik aus der Oper Tannhäuser von Richard Wagner durch die Takte. Zugleich stellt Coll einen Bezug zu seinem Violinsolo Hyperlude IV her. Durch dieses Stück hatten sich Kopatchinskaja und Coll persönlich kennengelernt, vermittelt durch Gimeno.

  Das Einfließen von Material aus eigener und fremder Feder zieht sich durch das Schaffen von Coll. In Mural, einer fünfsätzigen Symphonie, erscheint im vierten Satz fragmentarisch reduziertes Material aus dem Requiem des bedeutenden Renaissance-Komponisten Tomás Luis de Victoria. «Es sind keine Copy-Paste-Zitate», unterstreicht Coll, und es sind auch keine Allusionen. Dafür ist das Zitathafte bei Coll viel zu subtil, im Grunde kaum als solches erkennbar, denn: Auch hier gilt der Grundsatz Colls einer kohärenten Verschmelzung in den Gesamtzusammenhang. Es sind vielmehr verdeckte Illusionen, die Coll entwirft – durchaus traumhaft, was auf den Surrealismus verweist. «Ich bin kein Surrealist», betont er, «aber ich war sehr beeinflusst vom Surrealismus. Als Teenager bin ich aufgewachsen mit den Visionen von Salvador Dalí. Mit seinen Bildern unter meinem Kissen habe ich geschlafen, und einige Aspekte haben mich beeinflusst – das Kreieren etwa von Illusionen. Man zeigt etwas auf, das für manche etwas bedeutet und für andere wieder etwas anderes. Diese Arbeitsweise ist auch in manchen meiner Werke präsent» – eine Art Irrationalität.

  Coll selbst spricht von einem «Blick in einen Zerrspiegel oder gebrochenen Spiegel». Gleichzeitig verbergen sich im Zitathaften semantische Botschaften. Im Violinkonzert steht der transfigurierte Venusberg aus Tannhäuser für den Erotizismus. In Mural wird mit dem Requiem von de Victoria auch eine Todessemantik eingeführt, und im Finalsatz erscheint für einen kurzen Moment in den Flöten «Es ist genug» von Bach. Außerdem spukt ein Song des Grusel- und Psychorockers Marilyn Manson versteckt durch die Takte, womit Coll zugleich eine ironische Distanz zum Massengeschmack zum Ausdruck bringt – ein karikierender Protest.

  Bei Coll darf der Humor nicht fehlen, selbst in katastrophischen, todestrunkenen Momenten. Sein Humor ist schwarz eingefärbt, mit viel abgründig-verzerrter, bitter-böser Groteske oder bizarrer Phantastik. Das erinnert in der Geisteshaltung an E.T.A. Hoffmann, Nikolai Gogol oder Franz Kafka. Letzterer spielt in der einaktigen Kammeroper Café Kafka von 2013 eine direkte Rolle. Dieser spezifische Humor ist schon früh bei Coll erkennbar. Er selbst hat ihn jedoch erst später an und in sich bemerkt, nämlich beim Komponieren der Four Iberian Miniatures. «Bis dahin dachte ich, dass mein Humor nicht verständlich sei.»

  In den Four Iberian Miniatures für Violine und Kammerorchester entstellt Coll geradezu das iberische Erbe von Flamenco und Tango. Das Ergebnis ist zugleich die unverschämte, schmerzhafte, gnadenlose Entlarvung und Destruktion von Klischees. Bei allen schöpferischen Kontinuitäten offenbart sich seit Mural ein Wandel im Schaffen von Coll. Im Vergleich zu Aqua Cinerea und Hidd’n Blue wirken Mural und das Violinkonzert in der Schreibweise konkreter – deutlicher und klarer. «Natürlich sind Aqua Cinerea oder Hidd’n Blue keine abstrakten Werke, aber: Vieles ist auf der Oberfläche nicht wahrnehmbar. Vor Mural war es für mich schwierig, einen Lyrismus auszukomponieren, wie ich es teilweise im Violinkonzert mache – weil es nicht erlaubt ist, und ich musste lernen, ungehorsam zu sein.»

  Er sei Mural gewissermaßen dankbar, weil das Stück geholfen habe, diese Barriere zu durchbrechen. «Arnold Schönberg hat einmal gesagt, dass er ein Konservativer gewesen sei, der gezwungen wurde, ein Avantgardist zu werden. Bei mir ist es eher umgekehrt. Ich traue nicht der Neuerung als zentralem Aspekt der Kunst, der Ästhetik einer stetigen Fortentwicklung. Meine Hauptsorge ist nicht, ob und wie ich originell bin. Ich misstraue Komponisten, die originell sein wollen. Ich komponiere Musik, die ich selbst im Konzertsaal hören möchte.» Vielleicht zählt Coll auch deswegen zu den meistaufgeführten Komponisten seiner Generation.

• Francisco Coll ou l’éclat du geste par Rodolphe Bruneau-Boulmier

  Le geste naît de l’idée, avec sa fulgurance, telle une esquisse. Puis vient la couleur, la texture avec ses superpositions, ses lumières, ses aplats et son relief. Enfin, le tout prend sa forme et s’échappe de son cadre (la toile ou la partition) pour infuser sa poésie à celui qui regarde ou écoute. Le mystère de la création demeure, mais l’œuvre existe, fragile, pensée dans le temps comme l’espace. La musique de Francisco Coll revendique son lien à l’univers pictural. Acte visuel, quasi charnel, qui cherche et trouve son éclat avec une palette orchestrale riche de tons fauves, ocre et chaleureux.

  Rarement le rapport entre peinture et composition n’aura été, depuis Arnold Schönberg, aussi manifeste de la part d’un créateur. Certes, il y a les dessins de György Kurtág, mais avec Francisco Coll, la peinture est de l’ordre du vécu, du quotidien puisque la pratique de l’un ne se vit pas sans l’autre. « Je pense toujours à la peinture lorsque je compose. Je construis la musique en couches, comme avec de l’huile sur toile. » Le compositeur va jusqu’à déclarer : « Parfois je ne sais pas si je compose ou si je peins, parce que je ne vois pas beaucoup de différence entre la peinture et la composition. Pour moi, le processus de composition est similaire à la peinture. »
  D’une enfance passée dans la boutique d’encadrements de son père, entouré de tableaux, jusqu’aux études à Londres avec Thomas Adès, l’univers de Francisco Coll a toujours déployé des œuvres organiques, traversées de gestes, de traits, d’épaisseurs et de transparences alternant la fugacité du dessin, telles les Four Iberian Miniatures, avec l’ampleur hiératique d’une fresque comme Mural où la fusion entre paysages, peinture et musique trouve ici sa réalisation la plus impressionnante.

  Sans jamais totalement renier le folklore espagnol, si fort et inspirant, en utilisant la citation pour marquer le sens de l’histoire musicale, sans renoncer non plus aux techniques surréalistes qui placent l’acte de création du côté de la rapidité, l’œuvre du jeune Francisco Coll trouve son aboutissement du côté de l’orchestre. Il nous montre que cette grande machine, à l’instar d’un Henri Dutilleux ou d’un Olivier Messiaen, n’a pas dit son dernier mot. L’orchestre, avec son orgie de couleurs, devient la palette idéale du compositeur. L’échéancier de couleurs se décline entre immédiateté et énergie. La forme concertante n’est jamais loin, la danse trouve toujours son chemin sous l’écrasante lumière espagnole. L’urgence du discours porte la structure de l’œuvre. « Je compose en général très vite, parce que j’ai le sentiment que le résultat final sera plus organique, plus fluide et que sa rhétorique sera plus convaincante » confie, sans attendre, le compositeur, qui complète son propos : « Par la suite, je reviens au début et travaille très lentement sur les détails. »

  L’énergie de l’interprète peut également devenir muse pour le compositeur. La violoniste Patricia Kopatchinskaja, avec sa fougue et son énergie quasi sauvage, élève le folklore traditionnel au rang de partitions savantes. Suite à leur rencontre à Valence, Francisco Coll prendra trois années à écrire pour elle son Violin Concerto. Trois années pendant lesquelles l’œuvre empruntera différents chemins, se métamorphosant, reniant certaines aspérités, pour retrouver d’autres audaces et finalement devenir un portrait de l’interprète. Aussi multiple, aussi sauvage que la violoniste, le concerto, suite aux doutes et à la solitude du créateur, s’est débarrassé des craintes et des préjugés. « Au cours de ce processus, c’était passionnant de voir le Concerto se transformer – comme un grand animal élastique – en quelque chose de différent. Le Concerto m’a encouragé à affronter des choses que je n’avais jamais faites auparavant. Il semblait me dire : ‹ N’essaye pas de plaire à un public conservateur ou
  à l’avant-garde institutionnalisée, écris simplement ce que tu entends et ose échouer ›. Une énergie incontrôlable a émergé de nulle part, une beauté poétique d’un genre nouveau est apparue à la surface de la musique. »

  Si Francisco Coll n’hésite pas à parler d’une des expériences les plus exaltantes de sa vie créatrice, il en sort une œuvre électrique où la rage de certains passages au violon trouve écho dans un orchestre aux mille couleurs augmenté d’un piano ou d’un pupitre de percussions éclatant dont la tension ne se relâche jamais jusqu’au cri final.

  La virtuosité, chez le compositeur, n’attend pas. C’est ce que semblent dire les cinq minutes de Hidd’n Blue, commande du programme Panufnik pour la jeunesse et créée par François-Xavier Roth à la tête du London Symphony Orchestra en 2009. Comme un objet regardé en 3D, l’œuvre explore la couleur bleue. Un bleu profond et mystérieux, inquiétant et scintillant. Il tournoie, il se déploie, le bleu limpide et transparent du ciel s’oppose aux profondeurs sourdes, obscures et presque noires des tréfonds de l’orchestre. Cette étude de bleus est architecturée par des forces contraires. « De nos jours, la société est dominée par l’incertitude – dans ce travail, je voulais que tout semble à la fois sûr et déséquilibré. Techniquement, le matériau principal de la pièce est un gros canon, mais il apparaît rarement à la surface de la musique : il est caché. Je suis très intéressé par l’union des contraires, et l’utilisation de sonorités extrêmes est une constante tout au long de la pièce. »

  De la miniature au grand format, Mural se présente comme une œuvre majestueuse, imposante, jamais écrasante, car l’air y est pur, la lumière d’un blanc quasi aveuglant. « Les montagnes sont considérées comme des cathédrales » – ce sont les Alpes qui ont été l’inspiration ici. Synthèse d’une décennie de compositions, dédiée à Gustavo Gimeno, le compositeur y cite aussi bien sa propre musique (Hyperlude III pour violon seul se retrouve dans le deuxième mouvement) que le Requiem de son compatriote Tomás Luis de Victoria : « Dans le quatrième mouvement, j’inclus quelques passages de l’introduction du Requiem de Victoria à la manière de ruines et comme un échantillon de la décadence contemporaine. » Mural est aussi un refuge où le sentiment d’élévation doit saisir l’auditeur comme le compositeur le fut après avoir entendu Claudio Abbado diriger la Symphonie N° 9 d’Anton Bruckner à Lucerne en 2013. Étincelle de départ pour la composition, certes, mais aussi ligne de conduite pour l’œuvre qui peut se revendiquer des imposants blocs sonores brucknériens.

  À l’instar de Manuel de Falla, Francisco Coll ne renie pas le folklore espagnol avec ses rythmes marqués, ses modes musicaux andalous, ses danses, ses guitares et son flamenco. Comme chez son aîné, ce folklore, sublimé, devient un élément de modernité et d’expression. Dans les Four Iberian Miniatures, le fandango s’écoute au loin, les talons du danseur de flamenco claquent, les images de l’Espagne filent, l’ensemble instrumental imite fugacement la guitare sans pasticher ni caricaturer.

  Si les miniatures nous plongent aux racines du folklore espagnol, Aqua Cinerea est considéré comme l’opus 1 du compositeur. Il était âgé de tout juste 19 ans en 2005, au moment de la composition d’une œuvre qui expose déjà ses qualités de transparence, de lumière et d’éclat. Si la partition ne rencontre pas un succès immédiat, Francisco Coll va cependant envoyer l’enregistrement à Thomas Adès qui invitera ensuite le jeune homme à venir travailler avec lui. Écrite pour Cristóbal Soler et l’Orquestra Filharmònica de la Universitat de València, Aqua Cinerea porte sans doute en elle l’atmosphère si particulière de la ville avec son ouverture sur la mer et sa longue plage urbaine, la modernité de sa Cité des arts et des sciences et ses nombreux bassins aux eaux turquoise, ou encore ce fleuve dévié de Valence pour devenir une coulée verte, poumon de la ville qui vit naître Francisco Coll.

Orchestre Philharmonique du Luxembourg
Gustavo Gimeno Conductor
Patricia Kopatchinskaja Violin

This album was recorded at the Philharmonie Luxembourg in July 2019 (Mural & Hidd’n Blue), June/July 2020 (Violin Concerto & Four Iberian Miniatures) and December 2020 (Aqua Cinerea).

Published by Pentatone.

Cover photography by Jörk Hejkal.